Fantascine

Rocknrolla es un intento de Guy Ritchie por volver a los orígenes que le otorgaron su primer éxito (hablo de Lock and Stock, claro). Aunque debo confesar, con cierto pudor, que no he visto Lock and Sock ni Snatch, Cerdos y Diamantes, debo decir también que esperaba algo más de Rocknrolla por lo bien que he he oído hablar de las dos anteriores. Con el tema de la especulación inmobiliaria como telón de fondo, Ritchie regresa a los bajos fondos londinenses para presentarnos un surtido elenco de bizarros personajes que con mayor o menor maña sobreviven gracias al trapicheo y a las medias intrigas: traperillos que sueñan con dar un buen palo,  aspirantes a gansgsters con las manos metidas en la administración, mafias rusas… y todos siempre intentado joderse, con perdón, los unos a los otros y llevarse el gato al agua. Sin embargo a la película de Ritchie le falta gas, todo parece estar hecho a medias. Empezando por el título, que aunque en el prólogo hay un cierto intento de darle una explicación, luego no parece posible encajarlo en el argumento. Tampoco acaba de resultar del todo el uso del mcguffin, ese objeto omnipresente que parece que va a ser el origen de todos los enredos y que en este caso solo consigue una presencia intermitente y hasta molesta en ocasiones. Personajes de los que no se acaba de entender porque están ahí, monólogos y diálogos totalmente fuera de lugar que no provocan sino desconcierto; floja en sus partes divertidas, blanda en sus partes duras; Ritchie no consigue encontrar el equilibrio narrativo y acaba ofreciéndonos un producto medianito y comedido en lugar de la comedia macarra y cafre que hubiéramos esperado encontrar. Entretenida, pero no tanto. Esperemos que se trate solo de un pequeño bache, yo por mi parte espero con interés su (muy próxima) versión de Sherlock Holmes. Espero no acabar decepcionada.

Valoración: 6

Ficha técnica:

Rocknrolla. 2008. Reino Unido. Director: Guy Ritchie. Intérpretes: Gerad Butler, Idris Elba, Tom Hardy, Tom Wilkinson, Thandie Newton.

Probablemente no exista un marco más adecuado para reflexionar sobre la soledad y el aislamiento que el duro invierno sueco en un frío suburbio de Estocolmo, pero ¿a quien se le ocurriría utilizar una historia sobrenatural de vampiros para ello? pues a John Ajvide Lindqvist autor de la novela y creador del guión en el que se basa este largometraje de Tomas Alfredson.

En el casi aséptico entorno de un barrio periférico de Estocolmo perfectamente prefabricado, sus habitantes transitan con la inercia de una rutina amargamente asumida. Son duros como el clima, herméticos y al final del día, parecen incapaces de volverse los unos hacia los otros en busca de calor, como si temieran con ello la posibilidad de resquebrajarse como el hielo y dar lugar al brote de algo indeseable: la violencia. O la locura.
Entre ellos vive Oskar, un chico de 12 años de familia desestructurada y algo retraído que sufre al acoso y el maltrato de sus compañeros de colegio a diario. Oskar siempre esta solo y colecciona noticias de crímenes violentos por los que parece sentir una fascinación morbosa; fantasea quizás, con la posibilidad de estar al otro lado, por una vez. Un día, conoce a Eli, una chica de su edad solitaria y extraña y a la que solo ve de noche. Entre ellos empezará a desarrollarse un poderoso vínculo que irá más allá de una sencilla amistad infantil. Para cuando Oskar se da cuenta de la verdadera naturaleza de Eli, ya es tarde, ambos se necesitan: Oskar no va a encontrar a nadie que lo proteja y lo defienda como Eli; Eli no va a encontrar a nadie que la acepte tal y como lo hace Oskar.

El elemento sobrenatural tan solo sirve de excusa a Alfredson para tratar emociones puramente humanas: la crueldad, la soledad, la amistad, el amor, la lealtad. Es tan intensa la narración, que los crímenes, los asesinatos, quedan diluídos en el entramado de las emociones, relegados casi a pura anécdota, a ruido blanco. Con una pasmosa economía de gestos, miradas y diálogos Anderson logra construir una historia aterradora y tierna, espeluznante y romántica, desasosegante y esperanzadora, destilando a la vez  ese cierto aire de existencialismo que parece impregnar todo el cine escandinavo. Prescindiendo de los efectismos, a veces excesivos, que pueblan las películas de terror de estos tiempos, Alfredson se atreve a ir un paso más allá, a un nuevo terreno visual y argumental que plantea un futuro muy interesante para el género. Lo malo, es que no todos van a entenderlo.

Ficha Técnica:

Låt den rätte komma in. 2008. Suiza. 114 min. Director: Tomas Alfredson. Intérpretes: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson.

Valoración: 9, por su maestría narrativa y saber darle originalidad al género.

Desde la magistral Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), no habíamos tenido el placer de disfrutar en las pantallas de nuestro país de ningún otro trabajo del genial Mamoru Oshii. The Sky Crawlers llegó a las pantallas del pasado Festival de Sitges donde cosechó tres premios (Premio de la Crítica Jose Luís Guarnier, premio a la Mejor Banda Sonora y el Premio del Jurat Jove) tras haber pasado por el Festival de Toronto y haber recibido el premio Future Film Festival Digital Award en la reciente edición de la Biennale de Venecia.

The Sky Crawlers es la adaptación al anime de la novela homónima de Hiroshi Mori, la cual forma parte de una serie de cinco libros que cuentan con un gran seguimiento entre la juventud japonesa.

La acción transcurre en un retrofuturo alternativo en el cual reina la paz y la guerra ha sido convertida en producto de consumo. Las guerras ya no suceden entre países, sino que los diferentes bandos los conforman empresas bélicas, las batallas se libran siempre en el aire y son retransmitidas por televisión de la misma manera que podría retransmitirse un partido de fútbol al tiempo que los ciudadanos apoyan a un bando u otro de la misma manera que apoyarían a su equipo. La guerra se ha convertido en un entretenimiento en época de paz para hacer sostenible esta situación de paz mundial. Para librar estas batallas aéreas se cuenta con pilotos de gran habilidad, los llamados Kildren, humanos genéticamente modificados para permanecer siempre en un estado de eterna adolescencia. La historia se centra en uno de esos llamados Kildren que llega a una de las bases bélicas para sustituir a otro piloto aparentemente desaparecido en combate.

Oshii combina con gran maestría la animación tradicional bidimesional -reservada para personajes y paisajes- de colores suaves y trazo delicado, con una potente y muy realista animación 3D, aplicada en este caso a los aviones y las batallas aéreas. Respecto a estas últimas, podrían muy bien ser, hasta la fecha, las mejores escenas de batallas aeronavales jamás rodadas. Acompañadas de un potente sistema de sonido, los giros de cámara y los cambios de punto de vista de una nave a otra y de un piloto a otro, dotan de tal realismo a las escenas que casi olvidamos que lo que estamos viendo es una película de animación. Sin embargo, el dinamismo de estas escenas contrasta fuertemente con el ritmo pausado de la historia cuando ésta transcurre en tierra firme. La vida de los protagonistas fuera del campo de batalla pasa de manera lenta y pausada, casi como un reflejo de la propia naturaleza de los Kildren, destinados a permanecer siempre iguales, a no cambiar nunca. A este lento devenir contribuye también el hermetismo de los protagonistas, parcos en palabras, misteriosos y de aire melancólico (¿podría ser que se tratara de una alegoría de la juventud que ha perdido toda esperanza?). Es quizás en este punto dónde la película “pincha” un poco, ya que en ocasiones tenemos la sensación de que no ocurre nada, un riesgo nada desdeñable para una película de dos horas de duración (121 minutos). La historia, por otra parte, incide demasiado en la relación que se establece entre el piloto protagonista y la directora de la base, sin apenas profundizar en los otros temas que apunta (la manipulación genética, el hecho de que la guerra produzca un beneficio económico,…), aunque quizá esto no sea del todo culpa de Oshi, ya que la novela, aunque fue la primera en publicarse de la serie, fue ideada para ser publicada en último lugar. A pesar de todo ello, es una película que los amantes del anime no deberían dejar escapar, aunque nos deje con ganas de más.

Por último, me gustaría mencionar el gran acierto que ha supuesto el contar con el maestro Kenji Kawai para la banda sonora; el tema principal, bellísimo, es sin duda el envoltorio perfecto para esta delicada joya.

Ficha Técnica:

Sukai Korara. The Sky Crawlers. 2008. Japón. 121 min. Director: Mamoru Oshii. Intérpretes: Rinku Kikuchi, Chiaky Kuriyama, Shosuke Tanihara.

Lo prometido es deuda, así que os dejo la primera de las críticas de lo visto este año en Sitges por Fantascine:

El segundo largometraje de Pascal Laugier se ha estrenado en el Festival de Sitges en medio de cierto clima de nerviosa expectación. Ya venía precedido por el revuelo suscitado en su presentación en el pasado Festival de Cannes (dónde ha recibido la clasificación para mayores de 18 años, lo que reduce su proyección exclusivamente a salas X) y se anunciaba como la película más extrema jamás estrenada en Sitges. En la puerta del Auditorio, la organización había dispuesto una ambulancia por lo que pudiera pasar, por si la reacción del público lo requería. ¿Formaba esto parte de una estrategia publicitaria? es posible ¿era una medida exagerada? tal vez no.
La película de Laugier arranca con una escena desgarradora: una niña de unos 11 años, Lucie, corre en ropa interior huyendo de algo entre los edificios de lo que parece un complejo industrial: sus ojos están amoratados, tiene costras alrededor de la boca y sus brazos y piernas muestran numerosas laceraciones; Lucie mira al frente y grita. Con este impactante arranque, Laugier consigue atrapar al espectador casi desde el inicio despertando en él una morbosa curiosidad. Curiosidad que alimenta al mostrarnos a Lucie después en una especie de centro de acogida para niños maltratados dónde, incapaz de hablar de lo sucedido, logra entablar amistad con otra niña, Anna. Allí vemos como Lucie se enfreta a terribles pesadillas que toman una presencia casi física. Un salto en el tiempo de quince años hacia delante nos lleva a una a apacible escena familiar: una família al completo se dispone a desayunar una tranquila mañana de sábado en su casa de la campiña francesa… hasta que aparece Lucie para acabar con esta paz a golpe de recortada. En apenas un par de minutos de metraje Laugier golpea emocionalmente al espectador de manera brutal, sin piedad y sin darle tregua, si al principio de la película nos había atrapado, es en estos momentos cuando nos tiene totalmente enganchados a la historia; aún temblando en nuestras butacas sentimos que sólo nos queda el alivio de la conclusión, del despejar la icógnita, del saber el porqué. En un par de ocasiones, parece que sí, que Laugier nos va a ofrecer el respiro que anhelamos, para luego negarnoslo sometiendonos a una especie de martirio intencionado. Tan sólo se trata del inicio de un largo y tortuoso viaje, a partir de ese momento abandonamos a Lucie para acompañar a Anna en su descenso a ese infierno particular, más terrible y largo aún porque ya podemos imaginar lo que le espera.

El film de Laugier puede situarse dentro de esa nueva corriente de jóvenes cineastas franceses que han decidido recuperar el género slasher sin tapujos: Alexandre Aja con Haute Tension, Xavier Gens con Fròntieres, Alexandre Bustillo y Julien Maury con A l’Interieur y ahora Pascal Laugier con Martyrs, todos ellos exploran el terreno de la experiencia límite y la violencia extrema aunque intentando desmarcarse, en algunos casos con más éxito que en otros, de las películas de terror norteamericanas plenas de masacres de adolescentes descerebrados.

Martyrs es una película incómoda de ver, uno no puede evitar sentir cierta vergüenza al decir que le ha gustado esta película, nadie quiere parecer un sádico al fin y al cabo. Sin duda esta es la intención del director, quien ha declarado que para él una película de terror debe tener un punto de transgesión. En este sentido no es banal la manera en que se ha montado la cinta, alejándose de cánones clásicos de narración y evitando el abuso del flasback, Laugier prefiere cambiar el punto de vista, pasando de una protagonista a otra (magistrales las interpretaciones de las dos jóvenes actrices Mylene Jampanou y Morjana El Aloui) para contarnos la historia desde una conclusión hasta el inicio para luego volver a la conclusión.Por otro lado, su extremismo no se halla tanto en las escenas que muestra (aunque para soportar algunas de ellas hay que tener estómago de acero), sino en el concepto; ¿hasta dónde llega la capacidad del ser humano para soportar el sufrimiento? ¿y hasta dónde la capacidad de provocarlo?, son estas algunas de las reflexiones que nos propone Laugier. Terror sí, pero con mensaje.

Ficha Técnica:

Martyrs. 2008. Francia, Canadá. 97 min. Director: Pascal Laugier. Intérpretes:Morjana Alaoui, Mylene Jampanoï, Catherine Bégin.

Valoración: 8

No es País para viejos no es una película que pueda dejarte indiferente, quizás no sea la obra maestra que algunas críticas han proclamado, pero desde luego es un must see casi obligado.

No es solo un retrato de la América profunda, del alma oscura, de los trapos sucios de un país que se considera a sí mismo una gran nación; es un retrato de la violencia que hoy  impera en nuestras vidas: la vemos cada día, convivimos con ella, comemos con ella y dormimos, a pesar de ella.

Lewelyn Moss (Josh Brolin) es un excombatiente de Vietnam que pasa el tiempo cazando en el desierto de Texas. Un día Moss encuentra dos camionetas rodeadas de cadáveres y un cargamento de droga. También encuentra un maletín con dos millones de dólares. Es evidente lo que allí ha ocurrido, pero Moss decide quedarse con el dinero. Al hacerlo, dará pie a una despiadada persecución por parte de aquellos que pretenden recuperarlo, entre ellos Anton Chisgurn ( Javier Bardem) , un asesino psicópata  carente de escrúpulos. Tras ambos, el Sheriff Bell (Tommy Lee Jones), un veterano agente de la ley que pretende encontrar a Moss y al dinero antes de que lo haga Chigurn.

Estos tres personajes son un contrapunto los unos de los otros, un triángulo casi perfecto. El Sheriff Bell es un hombre bueno, honesto y con fuertes valores; se hizo agente de la ley porque creía en un mundo mejor, representa el bien. Sin embargo, ha vivido mucho y ha visto demasiado. Sabe que los buenos no siempre ganan, de hecho pierden más veces de las que triunfan, y esto le ha hecho desarrollar fuerte sentido crítico y un agudo cinismo. Bell ve como todo aquello en lo que una vez creyó se desmorona ante sus ojos, se siente perdido, viejo y cansado.

Chisgurn representa todo lo contrario; la crueldad, la falta de escrúpulos, la violencia. Representa el mal absoluto. Es un ser frío y totalmente desarraigado, lo cual le convierte en un individuo realmente peligroso. No es casual que ejecute a sus víctimas de la manera en que lo hace, como si fueran reses, para él no son personas, son solo inconvenientes, obstáculos en su camino.

Moss se haya a medio camino entre ambos, es la “zona gris”. No es un mal hombre, pero intuimos que no ha tenido una vida fácil, lo cual le ha dotado de una moral “flexible”. Moss sabe que de nada sirve sentarse a esperar a que las cosas cambien y que las oportunidades sólo se presentan una vez en la vida. Por eso, cuando se le presenta esta posibilidad de cambiar su vida en forma de dos millones de dólares, no lo piensa dos veces; la toma.

Los tres personajes por tanto, se complementan y se equilibran entre sí como digo. Sin embargo, me pareció que Chisgurn y Moss tenían algunos rasgos en común. Ambos son muy inteligentes, serenos y tenaces y ambos se hallan cejados en su empeño; Moss de conservar el dinero y Chisgurn de recuperarlo; la única diferencia es que Chisgurn no piensa detenerse ante nada ni nadie para lograr su objetivo. Gran parte de la película transcurre en una especie de duelo de astucia entre estos dos personajes, jugando a un juego del gato y el ratón bastante sofisticado. Este duelo acaba resolviéndose de manera abrupta y anticlimática en un golpe de efecto intencionado de los hermanos Coen que contribuyen a dejar una sensación del mal cuerpo en el espectador.

A nivel interpretativo nos hallamos ante un auténtico trío de ases; Tommy Lee Jones, Brolin y Bardem, están magníficos, cada uno en su papel. Tommy Lee Jones aporta esa veteranía que le va tan bien a su personaje y le dota de una autenticidad admirable y esa forma de hablar (apreciable solo en la versión original) tan cerrada, tan arrastrando las palabras, muy propia de Texas, es simplemente espectacular. A Brolin le han sentado bien los años, tanto físicamente (su rostro aniñado a dejado paso a una madurez bien llevada) como interpretativamente. Aunque el personaje de Brolin es un hombre parco en palabras, sus gestos, su actitud, sus reacciones y su forma de moverse transmiten mucho de su trasfondo, de esa vida cuyos detalles desconocemos pero que claramente intuimos.
Javier Bardem, simplemente, llena la pantalla. Consigue dotar de un fuerte carisma a ese psicópata despiadado que es Chigurn; esa voz cavernosa, ese rictus impasible, esa sonrisa que es más bien una mueca desagradable que consigue erizarte todos los pelos de la nuca… provoca tensión nada más aparecer en el plano y la sensación reaparece cada vez que lo hace su personaje y no nos abandona ni siquiera cuando hemos abandonado la sala de cine. Desde luego merece todos los premios que ha recibido, y los que estén por llegar, también.

En definitiva, me ha parecido una gran película, no la obra maestra que señalan algunos como os decía antes, pero si una película muy, muy recomedable; por el retrato que hace de la sociedad americana y de violencia actual, y sobretodo por su mensaje: siempre se pude escoger el camino de la no violencia, la cuestión es, querer.