Rocknrolla es un intento de Guy Ritchie por volver a los orígenes que le otorgaron su primer éxito (hablo de Lock and Stock, claro). Aunque debo confesar, con cierto pudor, que no he visto Lock and Sock ni Snatch, Cerdos y Diamantes, debo decir también que esperaba algo más de Rocknrolla por lo bien que he he oído hablar de las dos anteriores. Con el tema de la especulación inmobiliaria como telón de fondo, Ritchie regresa a los bajos fondos londinenses para presentarnos un surtido elenco de bizarros personajes que con mayor o menor maña sobreviven gracias al trapicheo y a las medias intrigas: traperillos que sueñan con dar un buen palo,  aspirantes a gansgsters con las manos metidas en la administración, mafias rusas… y todos siempre intentado joderse, con perdón, los unos a los otros y llevarse el gato al agua. Sin embargo a la película de Ritchie le falta gas, todo parece estar hecho a medias. Empezando por el título, que aunque en el prólogo hay un cierto intento de darle una explicación, luego no parece posible encajarlo en el argumento. Tampoco acaba de resultar del todo el uso del mcguffin, ese objeto omnipresente que parece que va a ser el origen de todos los enredos y que en este caso solo consigue una presencia intermitente y hasta molesta en ocasiones. Personajes de los que no se acaba de entender porque están ahí, monólogos y diálogos totalmente fuera de lugar que no provocan sino desconcierto; floja en sus partes divertidas, blanda en sus partes duras; Ritchie no consigue encontrar el equilibrio narrativo y acaba ofreciéndonos un producto medianito y comedido en lugar de la comedia macarra y cafre que hubiéramos esperado encontrar. Entretenida, pero no tanto. Esperemos que se trate solo de un pequeño bache, yo por mi parte espero con interés su (muy próxima) versión de Sherlock Holmes. Espero no acabar decepcionada.

Valoración: 6

Ficha técnica:

Rocknrolla. 2008. Reino Unido. Director: Guy Ritchie. Intérpretes: Gerad Butler, Idris Elba, Tom Hardy, Tom Wilkinson, Thandie Newton.

En el casi aséptico entorno de un barrio periférico de Estocolmo perfectamente prefabricado, sus habitantes transitan con la inercia de una rutina amargamente asumida. Son duros como el clima, herméticos y al final del día, parecen incapaces de volverse los unos hacia los otros en busca de calor, como si temieran con ello la posibilidad de resquebrajarse como el hielo y dar lugar al brote de algo indeseable: la violencia. O la locura.
Entre ellos vive Oskar, un chico de 12 años de familia desestructurada y algo retraído que sufre al acoso y el maltrato de sus compañeros de colegio a diario. Oskar siempre esta solo y colecciona noticias de crímenes violentos por los que parece sentir una fascinación morbosa; fantasea quizás, con la posibilidad de estar al otro lado, por una vez. Un día, conoce a Eli, una chica de su edad solitaria y extraña y a la que solo ve de noche. Entre ellos empezará a desarrollarse un poderoso vínculo que irá más allá de una sencilla amistad infantil. Para cuando Oskar se da cuenta de la verdadera naturaleza de Eli, ya es tarde, ambos se necesitan: Oskar no va a encontrar a nadie que lo proteja y lo defienda como Eli; Eli no va a encontrar a nadie que la acepte tal y como lo hace Oskar.

El elemento sobrenatural tan solo sirve de excusa a Alfredson para tratar emociones puramente humanas: la crueldad, la soledad, la amistad, el amor, la lealtad. Es tan intensa la narración, que los crímenes, los asesinatos, quedan diluídos en el entramado de las emociones, relegados casi a pura anécdota, a ruido blanco. Con una pasmosa economía de gestos, miradas y diálogos Anderson logra construir una historia aterradora y tierna, espeluznante y romántica, desasosegante y esperanzadora, destilando a la vez  ese cierto aire de existencialismo que parece impregnar todo el cine escandinavo. Prescindiendo de los efectismos, a veces excesivos, que pueblan las películas de terror de estos tiempos, Alfredson se atreve a ir un paso más allá, a un nuevo terreno visual y argumental que plantea un futuro muy interesante para el género. Lo malo, es que no todos van a entenderlo.

Ficha Técnica:

Låt den rätte komma in. 2008. Suiza. 114 min. Director: Tomas Alfredson. Intérpretes: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson.

Valoración: 9, por su maestría narrativa y saber darle originalidad al género.

The Sky Crawlers es la adaptación al anime de la novela homónima de Hiroshi Mori, la cual forma parte de una serie de cinco libros que cuentan con un gran seguimiento entre la juventud japonesa.

La acción transcurre en un retrofuturo alternativo en el cual reina la paz y la guerra ha sido convertida en producto de consumo. Las guerras ya no suceden entre países, sino que los diferentes bandos los conforman empresas bélicas, las batallas se libran siempre en el aire y son retransmitidas por televisión de la misma manera que podría retransmitirse un partido de fútbol al tiempo que los ciudadanos apoyan a un bando u otro de la misma manera que apoyarían a su equipo. La guerra se ha convertido en un entretenimiento en época de paz para hacer sostenible esta situación de paz mundial. Para librar estas batallas aéreas se cuenta con pilotos de gran habilidad, los llamados Kildren, humanos genéticamente modificados para permanecer siempre en un estado de eterna adolescencia. La historia se centra en uno de esos llamados Kildren que llega a una de las bases bélicas para sustituir a otro piloto aparentemente desaparecido en combate.

Oshii combina con gran maestría la animación tradicional bidimesional -reservada para personajes y paisajes- de colores suaves y trazo delicado, con una potente y muy realista animación 3D, aplicada en este caso a los aviones y las batallas aéreas. Respecto a estas últimas, podrían muy bien ser, hasta la fecha, las mejores escenas de batallas aeronavales jamás rodadas. Acompañadas de un potente sistema de sonido, los giros de cámara y los cambios de punto de vista de una nave a otra y de un piloto a otro, dotan de tal realismo a las escenas que casi olvidamos que lo que estamos viendo es una película de animación. Sin embargo, el dinamismo de estas escenas contrasta fuertemente con el ritmo pausado de la historia cuando ésta transcurre en tierra firme. La vida de los protagonistas fuera del campo de batalla pasa de manera lenta y pausada, casi como un reflejo de la propia naturaleza de los Kildren, destinados a permanecer siempre iguales, a no cambiar nunca. A este lento devenir contribuye también el hermetismo de los protagonistas, parcos en palabras, misteriosos y de aire melancólico (¿podría ser que se tratara de una alegoría de la juventud que ha perdido toda esperanza?). Es quizás en este punto dónde la película “pincha” un poco, ya que en ocasiones tenemos la sensación de que no ocurre nada, un riesgo nada desdeñable para una película de dos horas de duración (121 minutos). La historia, por otra parte, incide demasiado en la relación que se establece entre el piloto protagonista y la directora de la base, sin apenas profundizar en los otros temas que apunta (la manipulación genética, el hecho de que la guerra produzca un beneficio económico,…), aunque quizá esto no sea del todo culpa de Oshi, ya que la novela, aunque fue la primera en publicarse de la serie, fue ideada para ser publicada en último lugar. A pesar de todo ello, es una película que los amantes del anime no deberían dejar escapar, aunque nos deje con ganas de más.

Por último, me gustaría mencionar el gran acierto que ha supuesto el contar con el maestro Kenji Kawai para la banda sonora; el tema principal, bellísimo, es sin duda el envoltorio perfecto para esta delicada joya.

Ficha Técnica:

Sukai Korara. The Sky Crawlers. 2008. Japón. 121 min. Director: Mamoru Oshii. Intérpretes: Rinku Kikuchi, Chiaky Kuriyama, Shosuke Tanihara.

El segundo largometraje de Pascal Laugier se ha estrenado en el Festival de Sitges en medio de cierto clima de nerviosa expectación. Ya venía precedido por el revuelo suscitado en su presentación en el pasado Festival de Cannes (dónde ha recibido la clasificación para mayores de 18 años, lo que reduce su proyección exclusivamente a salas X) y se anunciaba como la película más extrema jamás estrenada en Sitges. En la puerta del Auditorio, la organización había dispuesto una ambulancia por lo que pudiera pasar, por si la reacción del público lo requería. ¿Formaba esto parte de una estrategia publicitaria? es posible ¿era una medida exagerada? tal vez no.
La película de Laugier arranca con una escena desgarradora: una niña de unos 11 años, Lucie, corre en ropa interior huyendo de algo entre los edificios de lo que parece un complejo industrial: sus ojos están amoratados, tiene costras alrededor de la boca y sus brazos y piernas muestran numerosas laceraciones; Lucie mira al frente y grita. Con este impactante arranque, Laugier consigue atrapar al espectador casi desde el inicio despertando en él una morbosa curiosidad. Curiosidad que alimenta al mostrarnos a Lucie después en una especie de centro de acogida para niños maltratados dónde, incapaz de hablar de lo sucedido, logra entablar amistad con otra niña, Anna. Allí vemos como Lucie se enfreta a terribles pesadillas que toman una presencia casi física. Un salto en el tiempo de quince años hacia delante nos lleva a una a apacible escena familiar: una família al completo se dispone a desayunar una tranquila mañana de sábado en su casa de la campiña francesa… hasta que aparece Lucie para acabar con esta paz a golpe de recortada. En apenas un par de minutos de metraje Laugier golpea emocionalmente al espectador de manera brutal, sin piedad y sin darle tregua, si al principio de la película nos había atrapado, es en estos momentos cuando nos tiene totalmente enganchados a la historia; aún temblando en nuestras butacas sentimos que sólo nos queda el alivio de la conclusión, del despejar la icógnita, del saber el porqué. En un par de ocasiones, parece que sí, que Laugier nos va a ofrecer el respiro que anhelamos, para luego negarnoslo sometiendonos a una especie de martirio intencionado. Tan sólo se trata del inicio de un largo y tortuoso viaje, a partir de ese momento abandonamos a Lucie para acompañar a Anna en su descenso a ese infierno particular, más terrible y largo aún porque ya podemos imaginar lo que le espera.

El film de Laugier puede situarse dentro de esa nueva corriente de jóvenes cineastas franceses que han decidido recuperar el género slasher sin tapujos: Alexandre Aja con Haute Tension, Xavier Gens con Fròntieres, Alexandre Bustillo y Julien Maury con A l’Interieur y ahora Pascal Laugier con Martyrs, todos ellos exploran el terreno de la experiencia límite y la violencia extrema aunque intentando desmarcarse, en algunos casos con más éxito que en otros, de las películas de terror norteamericanas plenas de masacres de adolescentes descerebrados.

Martyrs es una película incómoda de ver, uno no puede evitar sentir cierta vergüenza al decir que le ha gustado esta película, nadie quiere parecer un sádico al fin y al cabo. Sin duda esta es la intención del director, quien ha declarado que para él una película de terror debe tener un punto de transgesión. En este sentido no es banal la manera en que se ha montado la cinta, alejándose de cánones clásicos de narración y evitando el abuso del flasback, Laugier prefiere cambiar el punto de vista, pasando de una protagonista a otra (magistrales las interpretaciones de las dos jóvenes actrices Mylene Jampanou y Morjana El Aloui) para contarnos la historia desde una conclusión hasta el inicio para luego volver a la conclusión.Por otro lado, su extremismo no se halla tanto en las escenas que muestra (aunque para soportar algunas de ellas hay que tener estómago de acero), sino en el concepto; ¿hasta dónde llega la capacidad del ser humano para soportar el sufrimiento? ¿y hasta dónde la capacidad de provocarlo?, son estas algunas de las reflexiones que nos propone Laugier. Terror sí, pero con mensaje.

Ficha Técnica:

Martyrs. 2008. Francia, Canadá. 97 min. Director: Pascal Laugier. Intérpretes:Morjana Alaoui, Mylene Jampanoï, Catherine Bégin.

Valoración: 8

No es solo un retrato de la América profunda, del alma oscura, de los trapos sucios de un país que se considera a sí mismo una gran nación; es un retrato de la violencia que hoy  impera en nuestras vidas: la vemos cada día, convivimos con ella, comemos con ella y dormimos, a pesar de ella.

Lewelyn Moss (Josh Brolin) es un excombatiente de Vietnam que pasa el tiempo cazando en el desierto de Texas. Un día Moss encuentra dos camionetas rodeadas de cadáveres y un cargamento de droga. También encuentra un maletín con dos millones de dólares. Es evidente lo que allí ha ocurrido, pero Moss decide quedarse con el dinero. Al hacerlo, dará pie a una despiadada persecución por parte de aquellos que pretenden recuperarlo, entre ellos Anton Chisgurn ( Javier Bardem) , un asesino psicópata  carente de escrúpulos. Tras ambos, el Sheriff Bell (Tommy Lee Jones), un veterano agente de la ley que pretende encontrar a Moss y al dinero antes de que lo haga Chigurn.

Estos tres personajes son un contrapunto los unos de los otros, un triángulo casi perfecto. El Sheriff Bell es un hombre bueno, honesto y con fuertes valores; se hizo agente de la ley porque creía en un mundo mejor, representa el bien. Sin embargo, ha vivido mucho y ha visto demasiado. Sabe que los buenos no siempre ganan, de hecho pierden más veces de las que triunfan, y esto le ha hecho desarrollar fuerte sentido crítico y un agudo cinismo. Bell ve como todo aquello en lo que una vez creyó se desmorona ante sus ojos, se siente perdido, viejo y cansado.

Chisgurn representa todo lo contrario; la crueldad, la falta de escrúpulos, la violencia. Representa el mal absoluto. Es un ser frío y totalmente desarraigado, lo cual le convierte en un individuo realmente peligroso. No es casual que ejecute a sus víctimas de la manera en que lo hace, como si fueran reses, para él no son personas, son solo inconvenientes, obstáculos en su camino.

Moss se haya a medio camino entre ambos, es la “zona gris”. No es un mal hombre, pero intuimos que no ha tenido una vida fácil, lo cual le ha dotado de una moral “flexible”. Moss sabe que de nada sirve sentarse a esperar a que las cosas cambien y que las oportunidades sólo se presentan una vez en la vida. Por eso, cuando se le presenta esta posibilidad de cambiar su vida en forma de dos millones de dólares, no lo piensa dos veces; la toma.

Los tres personajes por tanto, se complementan y se equilibran entre sí como digo. Sin embargo, me pareció que Chisgurn y Moss tenían algunos rasgos en común. Ambos son muy inteligentes, serenos y tenaces y ambos se hallan cejados en su empeño; Moss de conservar el dinero y Chisgurn de recuperarlo; la única diferencia es que Chisgurn no piensa detenerse ante nada ni nadie para lograr su objetivo. Gran parte de la película transcurre en una especie de duelo de astucia entre estos dos personajes, jugando a un juego del gato y el ratón bastante sofisticado. Este duelo acaba resolviéndose de manera abrupta y anticlimática en un golpe de efecto intencionado de los hermanos Coen que contribuyen a dejar una sensación del mal cuerpo en el espectador.

A nivel interpretativo nos hallamos ante un auténtico trío de ases; Tommy Lee Jones, Brolin y Bardem, están magníficos, cada uno en su papel. Tommy Lee Jones aporta esa veteranía que le va tan bien a su personaje y le dota de una autenticidad admirable y esa forma de hablar (apreciable solo en la versión original) tan cerrada, tan arrastrando las palabras, muy propia de Texas, es simplemente espectacular. A Brolin le han sentado bien los años, tanto físicamente (su rostro aniñado a dejado paso a una madurez bien llevada) como interpretativamente. Aunque el personaje de Brolin es un hombre parco en palabras, sus gestos, su actitud, sus reacciones y su forma de moverse transmiten mucho de su trasfondo, de esa vida cuyos detalles desconocemos pero que claramente intuimos.
Javier Bardem, simplemente, llena la pantalla. Consigue dotar de un fuerte carisma a ese psicópata despiadado que es Chigurn; esa voz cavernosa, ese rictus impasible, esa sonrisa que es más bien una mueca desagradable que consigue erizarte todos los pelos de la nuca… provoca tensión nada más aparecer en el plano y la sensación reaparece cada vez que lo hace su personaje y no nos abandona ni siquiera cuando hemos abandonado la sala de cine. Desde luego merece todos los premios que ha recibido, y los que estén por llegar, también.

En definitiva, me ha parecido una gran película, no la obra maestra que señalan algunos como os decía antes, pero si una película muy, muy recomedable; por el retrato que hace de la sociedad americana y de violencia actual, y sobretodo por su mensaje: siempre se pude escoger el camino de la no violencia, la cuestión es, querer.

Álex de la Iglesia se nos ha puesto serio. No serio-intelectual ni tampoco serio-trascendental sino, simplemente serio. Según las propias declaraciones de de la Iglesia, debido a la naturaleza del relato, para que éste funcionara, debía ponerse serio. Seguramente no le falta razón, lástima que no haya sabido encontrar la medida justa. La película arranca bien, con una presentación de los personajes muy hábil, magistral. Dispuestas las piezas en el tablero, la partida debe empezar. Es aquí donde la historia pincha. La acción transcurre lenta, al igual que los diálogos, poco ágiles e insípidos en más de una ocasión. Y no creáis que se debe a toda esa retórica alrededor de la lógica matemática (aunque no niego que en ocasiones ayuda) ni a una inadecuada interpretación de los actores (Hurt y Wood están más que correctos). No, es otra cosa: la ausencia de ritmo. La película no tiene ritmo; transcurre casi totalmente (a excepción de un par de escenas) pesada y lentamente, provocando que el tedio amenace con instalarse en la butaca de al lado. Una buena película de este género debe jugar al despiste con el espectador, darle falsas pistas, llevarle por callejones sin salida, hacer que sospeche de todos y cada uno de los personajes y además, al final, conseguir sorprenderle. De la Iglesia no lo hace, y no entiendo porqué, pues capacidad no le falta, lo ha demostrado sobradas veces. En fin, la historia transcurre ante nosotros con poco interés sin entender hacia donde va ni porqué. De la Iglesia consigue arreglarlo hacía el final dando un giro que alivia al espectador (gracias a Dios, esto no iba a acabar así), pero es demasiado tarde.

No voy a dudar de la capacidad técnica de de la Iglesia, tiene algunos planos realmente magistrales, dignos de Hitchcock (a quien homenajea en esta cinta) como esa escena en la que, en un único y largo plano pasamos de un personaje a otro como en un baile de salón, o algunos de los planos cenitales como el de la biblioteca o alguno en el auditorio. Pero hasta Hitchcock se atrevía a ser más gamberro.

Como he dicho antes, las interpretaciones de Hurt y Wood son correctas, magnífica me pareció la de Julie Cox, en el papel de hija amargada y desequilibrada. Refrescante fue ver a Leonor Watling en un papel diferente al de chica mona y formal, aunque no me la acabo de creer como devorahombres, y creo que su papel tiene demasiado peso en la película para lo que aporta a la trama (a parte de los semidesnudos que nos regala alegremente).
Por mi parte, he echado mucho en falta el humor negro de Àlex, su gamberrismo. No creo que un punto de ese humor ácido que de la Iglesia maneja también le hubiera venido mal a la historia. Si esto significa que Álex de la Iglesia ha madurado, le preferimos como antes, gracias.

Valoración: 6, porque sigo siendo fan de De la Iglesia.

Ficha Técnica:

Oxford Murders. España, Reino Unido, Francia. 2008. Dir.:Álex de la Iglesia. 110 min. Con: Elija Wood, John Hurt, Leonor Watling, Julie Cox, Dominique Pinon.

The Black Cat

Nos encontramos ante una original interpretación de uno de los relatos más conocidos del célebre escritor Edgar Allan Poe, esta vez de las manos de Stuart Gordon (Re-animator) quien ya praticipó en la primera temporada de Masters of Horrors con la dirección del episodio  Dreams in the Witch-house.

Este film sitúa al mismísimo Poe (interpretado por un más que convincente Jeffry Comb), como protagonista e inspirador de su propio relato, porque no estamos ante una adaptación al uso, sino que Gordon se aventura y va más allá con una acertada recreación de cómo el escritor podría haberse inspirado para escribir tan terrorífica historia.

Durante todo el film, podemos ver como el famoso escritor de cuentos fantásticos y de poesía del siglo XIX, ve florecer sus miedos al atravesar por una etapa de poca creatividad, además de cruzar por una situación de una solvencia económica delicada y por si fuera poco también debe cuidar de su mujer gravemente enferma.

A lo largo del film podemos observar a un Poe cada vez más desgastado, consumido por el alcohol y por sus propios temores, que lucha fervientemente y de una manera casi constante con sus demonios interiores, Gordon, sin ser original ni novedoso, resulta brillante e interesante forjando la construcción del terror psicológico del relato mirando al interior del creador entre sus innumerables locuras y paranoias.

El film posee una agradable recreación de época, tanto en vestuario como en la amarronada fotografía que nos da esa inconfundible sensación a vetusto.

Todo un acierto y con mucha diferencia lo mejor de la segunda temporada de Masters of horrors.

Ficha técnica

The Black Cat. 2007. Canadá. 58 min. Director: Stuart Gordon. Intérpretes: Jeffrey Combs, Elyse Levesque, Aron Tager.

Los protagonistas de esta historia son unos extraños y enigmáticos seres llamados mushi. Los mushi son definidos como el espíritu fantasmal de la naturaleza, que habita y respira dentro de todo ser vivo… y muerto.

En la práctica, estos espíritus parasitarios sólo visibles para algunos, son capaces de interactuar con los seres humanos de muy diversas maneras, provocando anomalías en la naturaleza, diversas enfermedades, y en ocasiones incluso la muerte.

Ginko, un joven extraño y misterioso, se ha convertido en un experto en dichas criaturas, es un mushi-shi nómada que estudia y ejerce como sanador de los efectos de estas extrañas y enigmáticas criaturas.

Este film, consigue plasmar a la perfección algunas de las muchas sorprendentes historias vividas por Ginko durante sus viajes, que no permanece demasiado tiempo en un mismo lugar, ya que su presencia ejerce una gran atracción para los mushi.

La magia visual y exquisita de las imágenes consigue meterte dentro de esta evocadora historia fantástica, no obstante el argumento se presenta algo confuso en ocasiones ya que rescata una breve selección de algunas de las historias vividas por el joven protagonista (el anime cuenta con un total de 26 capítulos diferentes). El resultado final de entrelazar entre sí los diversos relatos alternados con continuos saltos en el tiempo para desvelar algunos de los enigmas que envuelven su pasada niñez, hace que en ocasiones la historia pierda fuerza también debido al lento ritmo al que avanza. A pesar de todo, estamos ante una cinta de acción real de una fantasía desconcertante, sobrenatural, y reveladora, dotada con unos efectos visuales sorprendentes y de una gran sutileza.

Ficha técnica

MUSHI-SHI. 2007. Japón. 131 min. Dir.: Katsuhiro Otomo. Con: Joe Odagiri, Makiko Esumi, Nao Omori, Yu Aoi, Reisen Lee

The Fall

Tarsem vuelve a impactar con la potencia visual de su escenografía, sin embargo, todo aquello que le falló en The Cell, le funciona asombrosamente en The Fall, quizás porque se despoja de toda aquella enrevesada metafísica onírica para contarnos, aparentemente, cosas más sencillas.
Respecto al reparto, Lee Pace y la pequeña Catinca Untaru, sostienen un duelo interpretativo en la pantalla digno de admiración, aunque la pequeña Catinca en ocasiones le come terreno a Pace llenando la pantalla de una manera prodigiosa con su naturalidad. El resto del elenco actoral, no se queda atrás, todos y cada uno de ellos muy correctos en sus interpretaciones.

The Fall es, en definitiva una fábula maravillosamente contada, de una sensibilidad enternecedora, una pequeña obra de arte que merecía destacar. Es por ello que me satisface enormemente que haya recibido el Premio a la Mejor Película en esta edición del Festival de Sitges. Una justa ganadora, sin duda.
Habrá que permanecer atentos a la cartelera, aunque me temo que esta película tardará mucho en llegar a nuestras pantallas, si es que llega alguna vez.

Valoración: 8, por ser original.

Ficha Técnica:

The Fall. India, Reino Unido, Estados Unidos.2006. 117. Dir.: Tarsem Singh. Con: Lee Pace, Catinca Untaru, Justine Waddell.